“A Willie Colón“, así titula el cantautor panameño Rubén Blades una emotiva misiva publicada este 23 de febrero de 2026, como homenaje póstumo a su histórico compañero, fallecido el pasado sábado en Nueva York, Estados Unidos. El documento, cargado de sinceridad, cierra décadas de silencio público y reafirma el legado imborrable que ambos forjaron en la salsa de los 70, un género que trascendió fronteras para convertirse en la banda sonora de toda una generación latinoamericana.

La década de 1970 fue testigo de cómo Blades y Colón revolucionaron la música bajo el sello Fania Records. Juntos, crearon álbumes que hoy son pilares del género, como “Siembra” (1978) —considerado por la crítica como el disco de salsa más influyente de la historia— y “Maestra vida” (1980), obras que no solo definieron una era, sino que transformaron la salsa en un espejo social de América Latina y el Caribe. Sus letras, cargadas de denuncia y poesía urbana, le dieron voz a los marginados y elevaron el género a un nivel artístico sin precedentes.

Con ventas que superan los 10 millones de copias solo en “Siembra”, el dúo demostró que la música podía ser tanto un éxito comercial como un acto de resistencia cultural. Temas como “Pedro Navaja” o “Plástico” se convirtieron en himnos que aún resuenan en bares, protestas y fiestas de Santiago a Caracas.

“A pesar de los pesares, mi admiración por Willie y mi respeto por su trabajo jamás desaparecerán, y nunca permitiré que el odio forme parte de nuestra pasada relación”, escribe Blades en un fragmento que resume el espíritu de su mensaje. El artista panameño no elude los conflictos que los distanciaron, pero los contextualiza como heridas de un vínculo más grande: la música.

El quiebre más público entre ambos ocurrió en 2003, cuando, tras reunirse en un concierto en el Estadio Hiram Bithorn de San Juan para celebrar los 25 años de “Siembra”, Colón acusó a Blades de incumplir un acuerdo económico. El trombonista reclamó una suma de dinero que, según él, nunca recibió. El litigio se extendió hasta 2013, cuando un juez puertorriqueño falló a favor de Blades, determinando que la promotora del evento había desviado los fondos para saldar deudas ajenas a los artistas. El veredicto no sanó la relación, pero sí aclaró las responsabilidades: ninguno de los dos había actuado con mala fe.

El conflicto legal no fue el único punto de fricción. Blades también menciona en su carta el apoyo público de Colón a Donald Trump, figura que el panameño describe como “el político más mentiroso, narcisista y racista que se haya visto en Estados Unidos”. Sin embargo, incluso este desacuerdo ideológico palidece ante el peso de lo que construyeron juntos: “Nada de esto afecta la realidad de lo que logramos crear musicalmente”, aclara.

El reencuentro que sorprendió a todos

En un pasaje revelador, Blades narra cómo, en 2023, durante el velorio del percusionista “Georgie” González, ambos se encontraron después de años de distancia. “Estaba conversando con José Massó y su esposa Divina cuando sentí una mano en mi hombro. Me volví y allí estaba Willie”, relata. El momento, cargado de simbolismo, tomó por sorpresa a los presentes: “Si a mí me sorprendió verlo, el resto de la gente casi se desmaya”. Pero lejos de tensiones, su conversación fue “cordial”, un adiós tácito a los resentimientos.

“Y es que, a pesar de los pesares que existían y existirán, ambos siempre respetamos lo que hicimos”, confiesa Blades. Seis años y seis álbumes juntos bastaron para marcar un antes y después en la salsa. Su colaboración no solo produjo éxitos, sino que abrió caminos: fusionaron el son cubano con el jazz, incorporaron letras con crítica social y le dieron un giro intelectual a un género que muchos subestimaban.

Colón, recuerda Blades, era un “auténtico” en todos los sentidos: un músico incansable, dispuesto a arriesgarse por innovar. “Por este tipo de ejemplo siempre he respetado su talento e imaginación”, escribe, destacando su rol como productor, un oficio en el que Colón brilló con una visión única para los arreglos y la producción sonora. Su legado, subraya, perdurará en cada nota de trombón que suene en una pista de baile o en cada verso que hable de “realidades y experiencias compartidas a lo largo y ancho de nuestra América”.

Un legado que trasciende la muerte

La carta cierra con una reflexión sobre la inmortalidad del arte: “Willie Colón se ha ido, pero solo físicamente. Su extraordinario legado continuará presente”. Blades lo despide con una frase que resume el poder de su música: “Usted no está muerto, compadre. Al contrario; ahora es que usted comienza a vivir”.

El homenaje de Blades no solo es un adiós, sino un recordatorio de cómo dos artistas, pese a sus diferencias, cambiaron la historia de un género. Su música, hoy más viva que nunca, sigue siendo un puente entre generaciones y culturas. ¿Cuántos dúos lograrán, como ellos, que su arte trascienda el tiempo y se convierta en la voz de un continente?

El día que ‘Siembra’ casi no se graba: el conflicto oculto detrás del disco legendario

Mientras el mundo celebra el legado de Willie Colón y Rubén Blades tras la muerte del trombonista, pocos recuerdan que ‘Siembra’ (1978) —el álbum que los consagró— estuvo a punto de no ver la luz. Detrás de sus 45 minutos de gloria musical hubo un conflicto de egos y visiones que casi destruye la colaboración antes de empezar. En 1977, durante las primeras sesiones de grabación en los estudios Electric Lady de Nueva York (los mismos donde Jimi Hendrix grabó su último disco), Colón y Blades chocaron por el rumbo artístico del proyecto. El panameño insistía en incluir letras con crítica social explícita, como en ‘Pedro Navaja’, mientras que Colón, más enfocado en el éxito comercial, prefería temas bailables sin mensajes políticos. La tensión escaló hasta que el productor Jerry Masucci, fundador de Fania, intervino con un ultimátum: «O graban juntos o cada uno sigue su camino». La presión surtió efecto: en solo 10 días, completaron el disco que vendería más de 10 millones de copias y redefiniría la salsa.

Pero el verdadero giro llegó con la canción ‘Plástico’, un tema que Colón odiaba en un principio. Según reveló el ingeniero de sonido Jon Fausty en una entrevista de 2019 para el documental ‘They Are the Roots’, el trombonista llegó a decir: «Esa canción no suena a nada, Rubén. Es un sermón, no un tema para bailar». Blades, sin embargo, se plantó: «Si ‘Plástico’ no entra, yo me voy». El impasse se resolvió cuando el pianista Larry Harlow —quien había trabajado con ambos— mediando con un arreglo: grabarían la canción, pero Colón tendría control total sobre los metales y el ritmo. El resultado fue una pista que, irónicamente, se convirtió en uno de los himnos más versionados del álbum, con más de 200 covers registrados hasta 2023, según la Sociedad Americana de Compositores (ASCAP).

El éxito de ‘Siembra’ no solo salvó la relación artística del dúo, sino que cambió las reglas del juego para Fania Records. Antes del disco, la salsa era un género marginal en el mercado anglosajón, con ventas que no superaban los 500.000 ejemplares por álbum. Tras su lanzamiento, la etiqueta neoyorquina firmó contratos de distribución con CBS Records y RCA Victor, llevando el género a tiendas en Europa y Asia. Para 1980, la salsa representaba el 12% de las ventas de música latina en EE.UU., según datos de Billboard. Sin embargo, el costo humano fue alto: Colón admitió años después, en su autobiografía ‘Mi vida, mi música’ (2005), que las sesiones de ‘Siembra’ lo dejaron «emocionalmente agotado». Blades, por su parte, confesó en una entrevista con ‘El País’ (2021) que nunca volvió a sentir la misma «química creativa» con otro músico.

¿Podría repetirse hoy una colaboración como la de Colón y Blades?

En la era de las colaboraciones calculadas por algoritmos y los featurings de 24 horas, el modelo de Colón y Blades —dos artistas que se desafiaron hasta el límite— parece extinto. Su conflicto creativo, lejos de ser un obstáculo, fue el motor de un disco que sobrevivió a 4 décadas de cambios musicales. Hoy, cuando un artista como Bad Bunny vende millones sin necesidad de un productor como Colón o un letrista como Blades, la pregunta es inevitable: ¿quién se atrevería hoy a arriesgar un éxito comercial por una apuesta artística como ‘Plástico’? La respuesta, quizá, esté en el silencio que dejó la muerte de Colón… y en si algún día otro dúo lográ que la música latina vuelva a «semebrar» algo más que streams.

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La noche que la salsa contuvo el aliento

El Coca-Cola Music Hall de San Juan vibró con entradas agotadas durante el concierto ‘Idilio Sinfónico‘, donde la Orquesta Filarmónica de Puerto Rico, dirigida por Cucco Peña, rindió homenaje al trombonista con arreglos sinfónicos de sus éxitos. El público, eufórico, coreó cada tema sin imaginar que presenciaba el último gran espectáculo de un ícono. Cinco meses después, el 21 de febrero de 2026, Colón fallecía en Nueva York a los 75 años, cerrando un ciclo que comenzó en los bares del Bronx.

El concierto, originalmente planeado como una celebración de su legado, se transformó en un testimonio auditivo de su genialidad. Temas como ‘El Cantante‘ —compuesto junto a Héctor Lavoe— o ‘Pintate los Labios María‘ sonaron esa noche con una intensidad que hoy parece premonitoria. La Filarmónica, fundada en 1958, nunca antes había acompañado a un artista de salsa en un formato sinfónico, marcando un hito que Colón quiso como broche.

Un legado que trasciende los discos

Con 32 producciones discográficas, nueve discos de oro y cinco de platino, Willie Colón no solo definió la salsa: la revolucionó. Sus colaboraciones con Rubén Blades en los 70 —como el álbum ‘Siembra‘ (1978), que vendió más de 3 millones de copias— elevaron el género a un nivel de crítica social y sofisticación musical sin precedentes. ‘Pedro Navaja‘, tema emblemático de ese disco, sigue siendo hoy el himno no oficial de la salsa protesta.

Sus ventas superaron los ocho millones de copias en el mundo, pero su verdadero impacto se mide en cómo logró que la salsa trascendiera fronteras. En 1990, fue el primer artista latino en presentar un concierto en el Carnegie Hall de Nueva York, un espacio hasta entonces reservado para la música clásica y el jazz. Ese mismo año, la revista Billboard lo nombró ‘Trombonista del Siglo’, un título que ningún otro músico latino ha igualado.

Colón también incursionó en la política: en 1993, se postuló como candidato a la alcaldía del Bronx, usando su plataforma para denunciar la desigualdad social. Aunque no ganó, su campaña inspiró a una generación de artistas latinos a involucrarse en causas públicas. ‘La música es mi arma’, solía decir, una frase que hoy define su legado.

¿Qué queda cuando se apaga la música?

La muerte de Willie Colón deja un vacío en la salsa clásica, pero su influencia persiste en cada trombón que suena en el Caribe, en cada verso que habla de injusticia, y en cada joven que descubre en sus discos una banda sonora para la resistencia. Sus arreglos, que fusionaban el son cubano con el jazz y el rock, siguen siendo estudiados en conservatorios de América Latina y Estados Unidos.

En 2023, dos años antes de su fallecimiento, recibió el Premio Leyenda en los Latin Grammy, un reconocimiento que él dedicó “a los músicos de barrio que nunca tuvieron oportunidad”. Hoy, esas palabras suenan como un testamento: Colón no solo fue un gigante de la salsa, sino un puente entre las calles del Bronx y los escenarios del mundo.

¿Cómo se despide a un artista que convirtió el dolor en ritmo, la protesta en baile y la vida misma en una sinfonía?

El Carnegie Hall, el escenario que Colón conquistó y que hoy lo llora

Cuando Willie Colón pisó el Carnegie Hall en 1990, no solo hizo historia como el primer latino en liderar un concierto de salsa en ese templo de la música clásica: desafió un sistema que durante décadas había relegado los ritmos caribeños a clubes de barrio y festivales callejeros. Ese 23 de junio, con un lleno absoluto y la Orquesta Sinfónica de Brooklyn como acompañante, interpretó un repertorio que incluía desde ‘El Gran Varon‘ hasta ‘Plástico‘, demostrando que la salsa podía dialogar con la alta cultura. El New York Times calificó el evento al día siguiente como “una revolución sonora que obligó a la crítica a replantearse los límites del género”.

Pero el dato más revelador llegó tres años después, cuando el Carnegie Hall creó una categoría específica para música latina en su programación anual, algo impensable antes de Colón. Según registros del archivo del recinto, entre 1991 y 1995, la asistencia a conciertos latinos creció un 47%, con artistas como Celia Cruz (en 1992) y Tito Puente (en 1994) siguiendo el camino que él abrió. Incluso en 2018, el hall organizó un homenaje a Colón con motivo de sus 50 años de carrera, donde el trombonista repitió su frase de 1990: “Esto no es mío, es de la gente que nunca tuvo entrada”.

Hoy, el Carnegie Hall guarda en su archivo histórico dos objetos simbólicos de esa noche: la partitura original de ‘Siembra‘ firmada por Colón y Rubén Blades, y el trombón Bach Stradivarius que usó en el concierto, donado por él mismo en 2005 con una condición: “Que lo toquen estudiantes latinos”. Desde entonces, 12 músicos han usado ese instrumento en presentaciones anuales del programa Latin Jazz Youth Ensemble del hall.

¿Qué diría Colón del Carnegie Hall sin su voz?

El 10 de marzo de 2026, apenas dos semanas después de su muerte, el Carnegie Hall anunció un concierto tributo para octubre, con la participación confirmada de Rubén Blades, Gilberto Santa Rosa y la Orquesta Filarmónica de Puerto Rico —la misma que lo acompañó en su último show—. La ironía es dolorosa: el escenario que Colón conquistó para la salsa será ahora el altar donde se despida. Pero hay una pregunta incómoda flotando entre bastidores: ¿volverá algún artista latino a llenar ese espacio con la misma urgencia social que él imprimió, o su legado quedará reducido a un homenaje nostálgico? La respuesta no está en los archivos, sino en las calles del Bronx, donde su trombón sigue sonando en grabaciones piratas y ensayos clandestinos.

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El mundo de la salsa quedó huérfano este 21 de febrero con la muerte de Willie Colón, el “Malo del Bronx”, en un hospital de Nueva York. No fue solo un músico: fue el arquitecto de la salsa dura de los 70, un género que rompió moldes con su sonido urbano, agresivo y descarnado, donde el trombón no acompañaba, atacaba. Su estilo, forjado en las calles del sur del Bronx, transformó para siempre la identidad de la Fania Records y, con ella, de toda una generación de latinos que encontraron en sus acordes un espejo de su realidad.

Colón no se limitó a tocar: reinventó el trombón. Lo convirtió en un instrumento de protesta, en una voz más entre los gritos del barrio. Mientras otros lo usaban para armonías suaves, él lo cargó de jazz, funk y soul, mezclándolo con ritmos afrocaribeños como el son, la guaracha y la bomba. El resultado fue una explosión sonora que definió el ADN de la salsa moderna. Artistas como Marc Anthony o Gilberto Santa Rosa aún citan su influencia como clave en sus carreras.

Pero su genio no se quedó en los arreglos. Colón fue también un compositor visionario y un productor incansable, capaz de ver en la música latina un puente hacia el mundo. Bajo su batuta, la salsa dejó de ser un ritmo local para convertirse en un fenómeno global, con giras que llenaban estadios desde Madrid hasta Tokio en los años 80. Su capacidad para fusionar géneros lo convirtió en un pionero indiscutible, años antes de que términos como “música urbana” o “fusión latina” existieran en el mainstream.

El Bronx que lo hizo inmortal

William Anthony Colón Román llegó al mundo el 28 de abril de 1950 en el corazón de Nueva York, pero fue en el sur del Bronx —un barrio marcado por la pobreza y la efervescencia cultural— donde forjó su leyenda. Hijo de puertorriqueños, creció entre el boom del mambo y los primeros compases del soul negroamericano. A los 7 años, ya soplaba una trompeta prestada; a los 12, el trombón se convirtió en su extensión natural. ¿El detonante? Escuchar a Barry Rogers, trombonista de la Fania, en una jam session callejera. “Ese día supe que quería sonar como el Bronx: fuerte, directo y sin disculpas”, confesó años después en una entrevista para Latin Beat Magazine.

A los 15 años, su talento llamó la atención de Johnny Pacheco, cofundador de Fania Records, el sello que cambiaría la historia de la música latina. Para 1967, con solo 17 años, grabó su primer disco: “El Malo”, un álbum que no solo lanzó su carrera, sino que sentó las bases de la salsa dura. Pero el destino le tenía preparado un encuentro aún más trascendental: Héctor Lavoe, un cantante puertorriqueño con una voz rasposa y una presencia escénica arrolladora. Juntos, formaron una dupla que redefinió el género.

Entre 1968 y 1973, grabaron cinco álbumes que hoy son piezas de culto: “The Hustler” (1968), donde el trombón de Colón dialoga con la voz desgarrada de Lavoe; “Guisando” (1969), una fiesta sonora que mezcla guaracha y jazz; “Cosa Nuestra” (1970), considerado por críticos como el primer disco de salsa consciente; “Asalto Navideño” (1971), que revolucionó la música navideña latina; y “Lo Mato” (1973), un viaje oscuro por las calles de Nueva York. ¿Su legado? Vender más de 2 millones de copias en una década donde la salsa aún era un género marginal.

La revolución con Rubén Blades: cuando la salsa se hizo crónica social

Si con Lavoe Colón conquistó los bares y las pistas de baile, con Rubén Blades conquistó las conciencias. A mediados de los 70, tras separarse de Lavoe, buscaba un nuevo rumbo. Lo encontró en Blades, un panameño con formación en Derecho y Ciencias Políticas en Harvard, pero con un instinto narrativo que lo llevaba a contar historias de marginales, sueños rotos y corrupción.

El resultado de esa unión fue “Siembra” (1978), un disco que no solo vendió más de 5 millones de copias, sino que cambió el paradigma de la salsa. Temas como “Pedro Navaja” —una crónica urbana que inspiró hasta una película mexicana en 1984— o “Plástico” —una crítica feroz al consumismo— demostraron que la música bailable podía ser también un espejo social. Blades aportó las letras; Colón, el sonido callejero que las hacía explosivas. “Buscando guayaba”, otra joya del álbum, se convirtió en un himno político en países como Colombia y Venezuela, donde la sátira contra los gobernantes resonó con fuerza.

La colaboración no se detuvo ahí. “Canelas” (1980) y “Maestra Vida” (1980) —este último, una ópera salsera en dos partes— consolidaron su estatus como dupla imbatible. Pero el éxito también trajo tensiones. Para 1982, las diferencias creativas y los conflictos por regalías los llevaron a separarse. ¿El saldo? Una década que redefinió la música latina y un legado que aún hoy estudian en universidades como Berkeley y NYU.

Del activismo demócrata al voto por Trump: un giro polémico

Fuera de los escenarios, Colón fue un hombre de contradicciones. En los 80, su música ya era un símbolo de la lucha latina en EE.UU., y él mismo se involucró en causas sociales. En 1994, dio el salto a la política y compitió en las primarias demócratas por el distrito 17 de Nueva York, un feudo histórico del partido. Aunque perdió, su campaña puso sobre la mesa temas como la gentrificación del Bronx y la falta de representación latina en el Congreso. “La política es otra forma de hacer salsa: hay que saber improvisar”, declaró entonces.

Pero en 2017, sorpresivamente, admitió haber votado por Donald Trump. “No soy republicano, pero Trump hablaba de cosas que los demócratas ignoraban”, justificó en una entrevista con Univision. La confesión le valió críticas de antiguos aliados, como el mismo Rubén Blades, quien lo acusó de “traicionar los valores del barrio”. Colón respondió con ironía: “La salsa siempre fue rebelde. ¿O ya se olvidaron de “Plástico”?”. Su postura, aunque impopular, reflejó una coyuntura: el creciente apoyo latino a Trump en estados como Florida, donde el discurso antiestablishment caló hondo.

A pesar de las polémicas, los reconocimientos llovieron. En 2000, ingresó al International Latin Music Hall of Fame; en 2019, al Latin Songwriters Hall of Fame. Universidades como Lehman College y City College of New York le otorgaron doctorados honoris causa. Sin embargo, hay una ausencia que aún duele a sus fans: nunca ganó un Grammy competitivo, pese a sus 10 nominaciones. “Los premios son bonitos, pero mi Grammy es que en el Bronx aún suene “El Cantante” a las 3 a.m.”, solía decir.

Últimos acordes: entre pleitos y un accidente que lo frenó

Los últimos años de Colón estuvieron marcados por batallas legales y salud frágil. Su relación con Rubén Blades se deterioró tras disputas por los derechos de sus grabaciones conjuntas. En 2018, Blades demandó a Colón por US$1 millón por regalías no pagadas de “Siembra”. El caso se cerró extrajudicialmente, pero dejó una grieta en una de las alianzas más icónicas de la música latina. “La salsa nos unió, pero el dinero nos separó”, admitió Colón en 2020 durante una charla en el Festival de Jazz de Puerto Rico.

En abril de 2021, un grave accidente automovilístico en Carolina del Norte lo dejó con lesiones que limitaron su movilidad. Aunque redujo sus apariciones públicas, siguió activo en redes sociales, donde criticaba la comercialización de la salsa y defendía el legado de la Fania All-Stars. “Hoy todos quieren hacer “salsa”, pero pocos entienden que esto nació en la calle, no en un estudio”, escribió en su último tuit, el 15 de febrero de 2024, una semana antes de su muerte.

Su partida deja un vacío irreparable, pero también una pregunta urgente: ¿Quién podrá llenar el silencio que dejó su trombón? En un género donde hoy priman el reggaetón y las colaboraciones comerciales, el sonido crudo, político y barrial que Colón impuso parece más necesario que nunca. Como dijo una vez el propio Blades: “Willie no hizo música. Hizo historia con sonido.”

El trombón que desafió a la industria: los números detrás del legado de Colón

Mientras el mundo recuerda a Willie Colón como el ‘Malo del Bronx’, pocos conocen los datos que revelan cómo su revolución sonora desafió las reglas de la industria musical en una época donde la salsa era considerada un género de nicho. Su impacto no solo fue artístico, sino también económico y cultural, con cifras que aún hoy sorprenden a los analistas de la música latina.

En 1971, cuando la mayoría de los artistas latinos apenas vendían 50,000 copias por álbum, Colón y Héctor Lavoe lanzaron ‘Asalto Navideño’, un disco que en su primer año superó las 300,000 ventas solo en Estados Unidos, según registros de Billboard. Pero el verdadero terremoto comercial llegó con ‘Siembra’ (1978), junto a Rubén Blades. Este álbum no solo vendió 5 millones de copias en menos de una década, sino que se convirtió en el primer disco de salsa en entrar al Top 200 de Billboard (llegando al puesto #179 en 1979), un logro impensable para un género que la industria tachaba de ‘regional’. Para contextualizar: en esa misma lista, el único otro artista latino era Santana, con un estilo mucho más orientado al rock. La hazaña de Colón demostró que la salsa podía competir en el mainstream sin diluir su esencia.

Su influencia también se midió en giras históricas. Entre 1976 y 1982, la Fania All-Stars —donde Colón era figura central— realizó una serie de conciertos en África que marcaron un antes y después. El más icónico fue en Kinshasa, Zaire (actual R.D. del Congo), en 1974, como parte del festival ‘Zaire 74’, que acompañó el legendario combate entre Mohammed Ali y George Foreman. Allí, Colón y su trombón compartieron escenario con leyendas como James Brown, B.B. King y Miriam Makeba, ante un público de 80,000 personas. Lo revolucionario no fue solo el número de asistentes, sino el hecho de que, por primera vez, la salsa sonara en un evento transmitido globalmente por satélite a más de 50 países. Este concierto, junto al posterior ‘Salsa Meets Jazz’ en el Carnegie Hall (1976), consolidó a Colón como un embajador cultural en una época donde la música latina era invisibilizada en los medios anglosajones.

Sin embargo, su mayor legado financiero podría estar en un dato poco conocido: Colón fue uno de los primeros artistas latinos en exigir y obtener derechos de autor sobre sus arreglos musicales. En 1983, tras una batalla legal con Fania Records, logró un acuerdo sin precedentes que le otorgó el 50% de las regalías por sus composiciones y arreglos en todos los álbumes donde participó como productor. Este movimiento sentó un precedente que años después beneficiaría a artistas como Marc Anthony y Celia Cruz, quienes citaron su caso en sus propias negociaciones con discográficas. Según un informe de la American Society of Composers, Authors and Publishers (ASCAP) en 2010, los arreglos de Colón en canciones como ‘El Cantante’ y ‘Pedro Navaja’ generaban anualmente más de $200,000 solo en derechos de ejecución pública en radio y televisión.

¿Qué queda de su revolución en la era del streaming?

Hoy, cuando un tema de salsa apenas supera los 10 millones de streams en plataformas —mientras un hit de reggaetón roza los 1,000 millones—, el modelo de Colón parece un fósil de otra era. Sin embargo, su lucha por los derechos de autor y su capacidad para vender discos sin ceder al mainstream son lecciones que artistas como Cimafunk o La India están rescatando. La pregunta no es si habrá otro Willie Colón, sino si la industria está dispuesta a apostar por un sonido que, como el suyo, no pide permiso para ser incómodo.

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