Cuencanos asisten a una presentación de la Fiesta de la Música en Cuenca, en junio de 2023.

Un feriado con música para todos

La Fiesta de la Música regresa este 2026 a Cuenca con una explosión de talento: más de 60 artistas y agrupaciones invaden 23 escenarios entre espacios públicos y privados. El evento, enmarcado en el feriado decretado por el presidente Daniel Noboa para este 26 de junio, convierte a la capital azuaya en el epicentro cultural del país.

Lo que esto significa es que la ciudad no solo celebra, sino que reafirma su compromiso con la cultura y el arte local. Más allá del hecho puntual, la Fiesta de la Música demuestra cómo el arte puede transformar el espacio urbano en un escenario de encuentro y diversidad.

35 años de tradición con esencia francesa

Organizado desde hace 35 años por la Alianza Francesa de Cuenca, este evento se inspira en la ‘Fête de la Musique’, nacida en Francia en 1982. Su esencia original —músicos aficionados llevando su talento a las calles y conciertos gratuitos en espacios públicos— sigue viva en Cuenca, aunque con un toque local: aquí, el protagonismo recae en los artistas de la ciudad, aunque también hay espacio para bandas de Quito y Guayaquil.

En este contexto, la Fiesta de la Música no es solo un festival, sino un legado que conecta a Cuenca con una tradición global, adaptándola a su propia identidad.

Cartelera: dos días de música sin parar

El evento, que comenzó el 18 de junio, alcanza su clímax este viernes 26 y sábado 27 de junio, con presentaciones masivas en espacios públicos y privados.

Viernes 26 de junio: espacios públicos

Complejo arqueológico Todos Santos, desde las 19:00:

• Adirán Matos y Sofi Fi
• Killa
• Raio (Zancrewdo)
• Otxoa (Live guitar)

Plaza del Farol, desde las 19:00:

• Los Ilegibles
• Flacoman
• Mila Sommer
• RamymiDafok
• La Madre Tirana (invitado especial)
• Muy Valen
• Flix Pussy Cola
• La Doble

Sábado 27 de junio: espacios públicos

CIDAP, desde las 15:00:

• Cronomik
• Frensho
• Diego Celi
• Molly Molly
• María the Grace
• ALMAT

Plaza del Otorongo, desde las 16:00:

• Tiza
• Mala Influencia
• Fiebre
• Michelle Espinosa
• Sugxr Babies
• Parálisis
• Queen Lagarto
• Pan de Dulce

Espacios privados: También habrá presentaciones en recintos cerrados durante el 26 y 27 de junio.

La implicación inmediata es clara: Cuenca no solo ofrece música, sino una experiencia única donde el arte y la comunidad se funden. ¿Logrará este festival consolidarse como el evento cultural más esperado del año en la ciudad?

El impacto cultural más allá de los escenarios

La Fiesta de la Música 2026 en Cuenca trasciende lo artístico para convertirse en un catalizador de identidad urbana. La ocupación de 23 escenarios no es casual: refleja una estrategia para democratizar el acceso a la cultura, llevando el arte a rincones cotidianos y transformando la ciudad en un lienzo sonoro.

En este contexto, el evento no solo celebra 35 años de tradición, sino que redefine el papel de Cuenca como polo cultural. La combinación de artistas locales con invitados de Quito y Guayaquil subraya un mensaje claro: la música aquí no es un espectáculo, sino un puente entre comunidades. Lo que esto significa es que el festival está tejiendo una red de conexión social donde el arte actúa como lenguaje universal.

La implicación inmediata es que este modelo —gratuito, inclusivo y descentralizado— podría inspirar a otras ciudades a replicar la fórmula, convirtiendo a Cuenca en un referente de cómo el arte público puede revitalizar el espacio urbano.

¿El inicio de una nueva era cultural?

Si el éxito se mide por la capacidad de unir a la gente, este fin de semana será la prueba de fuego. La pregunta urgente es: ¿logrará Cuenca consolidar este festival como un símbolo de su ADN cultural, o quedará como un destello efímero en el calendario?

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La Tolita: más que cultura, una red de vida

En el corazón de la capital francesa, la Asociación La Tolita preserva el latido de la marimba esmeraldeña, la gastronomía ancestral y los saberes comunitarios de Ecuador. Detrás de este refugio cultural está Valencia, trabajadora social que lidera una red de apoyo comunitario. Lo que comenzó en 2002 como un grupo de bailes tradicionales se ha convertido en un espacio de contención psicológica, profesional y cultural para migrantes ecuatorianos y latinoamericanos.

En este contexto, la marimba no es solo música: es un puente entre el desarraigo y la identidad. La pregunta inmediata es cómo estas iniciativas logran mantener viva una cultura a miles de kilómetros de su origen.

Valencia nació en una familia donde la música era el lenguaje cotidiano: su padre, guitarrista; su madre, Elis María Lerma, pionera al crear la primera escuela de marimba en Esmeraldas, antes que surgieran grupos como Jolgorio o Petita Palma. Este linaje no solo le dio herramientas artísticas, sino una misión: llevar el legado afroecuatoriano más allá de las fronteras.

Llegó a París hace 26 años para estudiar una maestría en Trabajo Social, con experiencia docente pero sin dominar el francés. “Nunca había estudiado francés”, confiesa, pero su formación pedagógica le permitió autoeducarse. “Comencé a autoprepararme, a autoeducarme en el francés. Lo primero que hice fue aprender a leerlo, aprender a contar los números”. El desafío era enorme: en su entorno, el español era la única lengua.

Piel de Tambores: el germen de una comunidad

Su primer anclaje social fue una iglesia española en el distrito 16 de París, un espacio multicultural donde convivían latinoamericanos y franceses. Allí, tras una invitación a compartir su cultura en un evento dominical, Valencia presentó la marimba que llevaba en la sangre. “Siendo maestra de baile, siendo bailarina desde los cuatro años, me presenté”, recuerda.

El éxito fue inmediato. “Yo vengo de una familia con valores y también aportando la cultura de mi pueblo”, dice. Tras pedir permiso a las monjas, nació Piel de Tambores, su primer grupo, hacia el año 2000. Lo integraron mujeres de la misa y luego se sumaron franceses, mexicanos, antillanos y ecuatorianos de otras regiones. Sus tres hijos —dos graduados en Bellas Artes y una cantante— también se unieron.

Lo que esto significa es que la cultura no solo une, sino que crea comunidades donde antes no había más que individualidades dispersas.

De la tradición al amparo legal

En 2002, La Tolita se formalizó como asociación para proteger a sus integrantes, especialmente en caso de lesiones durante presentaciones. En Francia, las asociaciones civiles son un pilar social: hasta 2024, el país albergaba 1,5 millones de asociaciones activas con más de 12,5 millones de voluntarios y 1,9 millones de asalariados.

El nombre La Tolita no es casual. Valencia lo eligió por su conexión con Esmeraldas y la cultura Tumaco-Tolita, una corriente ancestral que abarca desde Tumaco (Colombia) hasta Manta (Ecuador). “Mi familia viene de esa región, en el cantón Río Verde”, explica. Además, su familia conserva el Museo San Rafael, un espacio dedicado al arte precolombino de la cultura La Tolita en la playa África.

Más allá del hecho puntual de la creación de la asociación, este nombre simboliza la resistencia de una identidad que trasciende fronteras.

Talleres y diplomacia: el camino al autoempleo

Hoy, La Tolita va más allá de la preservación cultural. A través de talleres autogestionados de costura, pintura al óleo y proyectos gastronómicos —en colaboración con la embajada ecuatoriana en París—, la asociación canaliza la nostalgia del desarraigo hacia la capacitación técnica y el emprendimiento. Estas actividades son herramientas concretas para que los migrantes generen ingresos y se inserten en el mercado laboral francés.

La implicación inmediata es clara: cuando la cultura se vincula con el autoempleo, el migrante deja de ser un sujeto pasivo para convertirse en agente de su propia integración.

El choque con los prejuicios eurocéntricos

Pero el camino no es fácil. Valencia ha enfrentado el eurocentrismo que reduce las expresiones culturales latinas a mero “folclore”. En festivales franceses, los trajes tradicionales afroecuatorianos son tachados de “disfraces”, como si fueran vestuarios para un espectáculo. “La danza clásica es en Europa”, subraya. “Cuando nosotros bailamos y nos vestimos con nuestros atuendos de identidad cultural, nos dicen aquí que nos disfrazamos, pero nosotros no nos disfrazamos. Manifestamos nuestra identidad cultural”.

En este contexto, el desafío no es solo preservar la cultura, sino defender su dignidad en un entorno que a menudo la minimiza.

Desmitificando el “sueño europeo”

Valencia, con su experiencia en trabajo social, advierte sobre las duras realidades detrás del idealizado “sueño europeo”. La frustración, la depresión y la precariedad económica acechan a quienes emigran sin planificación. Las redes sociales muestran solo el éxito, pero ocultan a profesionales que terminan en la informalidad por las barreras burocráticas e idiomáticas.

En Francia, incluso empleos tradicionales como la limpieza o el cuidado de adultos mayores están altamente regulados, exigiendo formación técnica y estatus legal. Por ello, insiste en que emigrar requiere preparación. “Los jóvenes que tienen ilusión de venir acá que sea directamente con una visa de estudio. Que traigan un propósito”, recomienda. Con una visa de estudio, pueden trabajar 20 horas semanales. “Si son jóvenes de 17, 18 años que recién tienen su bachillerato, venir a continuar su formación, pero aventurarse sin plan y sin red de apoyo es un boleto casi seguro a la exclusión social”.

La lección es contundente: la migración no es un salto al vacío, sino un proceso que exige estrategia y resiliencia.

A más de dos décadas de aquel primer encuentro parroquial, La Tolita demuestra que el arraigo no se pierde con la distancia, sino que se transforma en un motor de autogestión. Al conectar los saberes de Esmeraldas con el mercado laboral francés, la labor de Valencia trasciende lo artístico: es una guía para navegar la migración y la prueba de que una comunidad puede proteger a los suyos, un taller y un golpe de tambor a la vez.

¿Puede la cultura ser el salvavidas que evite que los migrantes se ahoguen en la precariedad?

El poder transformador de la cultura como herramienta de integración

La experiencia de María de Lourdes Valencia demuestra que la cultura no es solo un legado, sino un mecanismo de supervivencia y empoderamiento en la diáspora.

En este contexto, la marimba y los talleres de La Tolita no son meras expresiones artísticas, sino estrategias concretas para romper el aislamiento. Lo que esto significa es que, al convertir la nostalgia en emprendimiento, los migrantes encuentran un camino para validar su identidad en un entorno que a menudo los invisibiliza. La cultura, aquí, se transforma en un acto de resistencia política y económica.

La implicación inmediata es que este modelo podría replicarse en otras comunidades migrantes. Cuando el arte y la tradición se vinculan con la capacitación técnica, se crea un círculo virtuoso: la autoestima se fortalece, las redes de apoyo se consolidan y la integración deja de ser un proceso pasivo.

• La música como puente generacional y comunitario.
• Los talleres como herramientas de autoempleo y dignificación.
• La asociación como escudo legal y social.

El reto pendiente

¿Logrará este enfoque cultural inspirar políticas públicas que reconozcan el valor de la diversidad más allá del folclore? La respuesta definirá si la migración puede ser, al fin, un acto de enriquecimiento mutuo.

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La batalla contra la invisibilidad creativa

La ecuatoriana Andrea Pérez, fundadora de Línea Recta Books en París, Francia.

Desde su estudio cerca de Montmartre, Andrea Pérez convierte el desarraigo en acción. Su editorial independiente, Línea Recta Books, nace para combatir la invisibilidad de los artistas latinoamericanos contemporáneos en Europa, uniendo a escritoras, poetas, fotógrafas, músicos y diseñadores en un directorio físico y digital que ya supera el centenar de creadores.

Lo que esto significa es un puente cultural en un continente donde lo latino, hasta hace poco, era un eco lejano. La pregunta inmediata: ¿por qué una capital como París, epicentro artístico global, ignoraba sistemáticamente el talento urbano latinoamericano?

Antes de París, Andrea ya exploraba el mundo creativo en Quito con The Fashion Bullet, un blog de moda y cultura. “Desde el colegio escribía sobre estilo, me invitaban a eventos”, recuerda. Pero Instagram, con su enfoque visual, la alejó de la escritura. Tras graduarse en la Universidad San Francisco y trabajar como diseñadora gráfica, en 2019 dio el salto a Francia para estudiar un máster en marketing en Montpellier.

“Llegué al sur de Francia primero, fue menos chocante que llegar directo a París”, confiesa. El idioma fue su primera barrera: “No saber comunicar” en un entorno donde sus compañeros eran internacionales, pero los franceses, inalcanzables. El covid agravó el aislamiento: “Era complicado conocer gente”.

El “outlet” creativo en el limbo migratorio

Su primera experiencia laboral en Francia fue en el competitivo mundo de la moda, desde el marketing y el diseño gráfico. Pero entre empleos, en París, sintió la necesidad de volver a sus raíces. Tres meses de paro se convirtieron en un outlet creativo: escribió poesía, tomó fotos y decidió publicar un libro bajo su propia editorial.

“Era un registro de mis viajes por Europa y un conjunto de poesía. Me gustó tanto que pensé: “¡Quiero acompañar a artistas latinoamericanos a publicar sus proyectos!””, explica. En 2022, cuando nació Línea Recta Books, Andrea percibía un vacío: “No había espacio para artistas contemporáneos urbanos latinoamericanos en París”.

En este contexto, el auge actual del reggaetón y figuras como Bad Bunny —cuyos conciertos en la Defense Arena se agotaron en minutos— contrasta con la realidad de hace unos años. “Antes no era así aquí en Francia. En moda, cultura, arte, no escuchaba ese boom“, señala. Trabajar en la industria parisina, una “hegemonía”, la hizo sentir subrepresentada.

Identidad, nostalgia y redes afectivas

La falta de representación y el desarraigo son los pilares de Línea Recta. Andrea habla de la dualidad del migrante: “En Ecuador me sentía outsider, como turista. Aquí, no me siento francesa”. Es un limbo compartido con los artistas que ha conocido gracias a su proyecto, donde la “latinoamericanidad” —la casa de la abuela, el olor a café, el barrio, la silla de plástico en el patio— se convierte en un lenguaje universal.

“Quería crear una plataforma para impulsar a estos artistas, desde estilismo hasta fotografía, para que se posicionen aquí en París”, afirma. Su primer libro, autofinanciado, fue la carta de presentación. Así contactó a Nicole, performer ecuatoriana en París; a Sofía Salazar, escultora ecuatoriana y mejor Artista Emergente en Art Basel 2025; y a Omar Castillo Alfaro, escultor mexicano. Todos aparecen en Art Interrupted, que documenta sus procesos creativos.

Más allá del hecho puntual, Línea Recta no solo visibiliza, sino que construye comunidad. La implicación inmediata es clara: el arte latino en Europa ya no es un fenómeno aislado, sino una red en expansión.

Blue Pages: el directorio que une a la escena latina

Ante la dificultad para encontrar artistas ecuatorianos en París, Andrea amplió su mirada: “Me conecté con peruanos, colombianos, mexicanos, de diferentes escenas”. Así surgió Blue Pages, un directorio inspirado en las páginas amarillas pre-internet, inicialmente digital pero con ambición de ser una guía impresa.

“Se han anotado unas 130 o 135 personas. Diseñadores de moda, fotógrafos, estilistas, DJs, escritores… Hay de Ecuador, Colombia, México, Uruguay”, detalla. La herramienta permite filtrar por país, disciplina u origen. “Quieres a alguien en París, te sale todo”.

En este contexto, Blue Pages no es solo un listado, sino un mapa de colaboraciones futuras. La pregunta es: ¿logrará este directorio convertirse en el catalizador definitivo para la escena artística latina en Europa?

De editorial a agencia: el futuro de Línea Recta

Mientras el directorio crece, Andrea ya visualiza el siguiente paso: convertir Línea Recta en una agencia representante de artistas. El objetivo es generar fondos para seguir financiando la publicación de libros y, al mismo tiempo, posicionar el talento latino en el mercado europeo.

La gestión cultural de Andrea Pérez transforma el limbo del desarraigo en una red sólida de cooperación. Su proyecto no solo da voz a más de un centenar de creadores, sino que proyecta el talento artístico latino desde París hacia el mundo.

¿Puede una red como Línea Recta redefinir el lugar de los artistas latinoamericanos en el panorama cultural europeo?

El poder transformador de la comunidad artística

Lo que Andrea Pérez ha construido va más allá de un directorio o una editorial: es un ecosistema donde el desarraigo se convierte en conexión y la invisibilidad en oportunidad.

En este contexto, Blue Pages no solo resuelve un problema práctico —la dificultad de encontrar talento latino en Europa—, sino que redefine la narrativa cultural. La red de 130 artistas no es un simple listado, sino un testimonio de que la identidad compartida puede trascender fronteras. Lo que esto significa es que, en un entorno como París, donde lo latino era percibido como marginal, ahora existe una estructura que valida y potencia ese talento.

La implicación inmediata es que esta red no solo beneficia a los artistas individuales, sino que desafía a la industria cultural europea a reconocer la diversidad como un valor, no como una excepción. La pregunta clave ahora es si este modelo de colaboración horizontal inspirará a otras comunidades migrantes a replicar la fórmula.

¿El inicio de un movimiento?

Si Línea Recta Books logra consolidarse como agencia, el impacto podría ser exponencial: no solo se trataría de publicar libros o representar artistas, sino de crear un precedente donde el arte latino deje de ser un nicho para convertirse en un referente.

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El mundo despierta hoy con una ausencia irreparable. Brigitte Bardot, la mujer que redefinió la feminidad, el activismo y hasta el concepto de estrella en el siglo XX, falleció a los 91 años en su amado Saint-Tropez. No fue solo una actriz: fue un huracán cultural que barrió con los convencionalismos de los años 50 y 60, y luego volvió a sorprender al mundo cuando, en la cima de su fama, lo abandonó todo por una causa que entonces pocos tomaban en serio: los derechos animales. Su muerte desató una ola de homenajes que va desde el Palacio del Elíseo hasta las playas donde los turistas aún buscan su rastro.

El presidente francés, Emmanuel Macron, la definió con una frase que resume su esencia: *”Encarnó una vida de libertad, una existencia profundamente francesa y un resplandor universal”*. No eran palabras al azar. Bardot no solo fue rostro de Marianne —símbolo oficial de la República Francesa entre 1969 y 1979En 1956, su papel en *Y Dios creó a la mujer* escandalizó al mundo por su sensualidad sin tapujos, pero también abrió las puertas a una nueva era del cine europeo.

Las reacciones internacionales no se hicieron esperar. En Italia, el viceprimer ministro Matteo Salvini la llamó *”una estrella eterna, una mujer que nunca se rindió ante nada ni nadie”*, mientras que el ministro de Cultura, Alessandro Giuli, destacó su defensa a ultranza de *”valores culturales que hoy damos por sentados”*. Desde la extrema derecha francesa, Jordan Bardella, líder del Reagrupamiento Nacional, recordó que Bardot fue *”la Marianne que el pueblo amó, no la que los políticos impusieron”*. Un detalle poco conocido: en 1973, ya retirada del cine, rechazó un homenaje oficial del gobierno francés por su oposición a la caza de focas, un gesto que marcó el inicio de su activismo radical.

De diva a guerrera: el activismo que marcó su legado

Si su primera vida fue para el cine, la segunda la consagró a los animales. La Fundación Brigitte Bardot, creada en 1986, se convirtió en un referente global. Logró prohibir el uso de pieles en la moda francesa en los 90, presionó para cerrar mataderos clandestinos en Asia y financió rescates de elefantes en África. Ingrid Newkirk, fundadora de PETA, no dudó en llamarla *”el ángel que los animales nunca olvidaremos”*, mientras que la SPA France agradeció décadas de lucha que *”cambiaron leyes y mentalidades”*.

Su conexión con Saint-Tropez —el pueblo que la adoptó y que ella convirtió en mito— fue simbiótica. *”Bardot no se fue de Saint-Tropez; habitará para siempre su alma”*, declaró el alcalde. Fue aquí donde, en los 60, compró *La Madrague*, su casa-refugio, y donde en 2006 organizó una protesta masiva contra la matanza de delfines en las costas francesas. Incluso en sus últimos años, su voz seguía siendo escuchada: en 2021, su carta abierta contra el maltrato animal en los circos logró que el gobierno francés anunciara su prohibición para 2028.

El arte llora a su musa

El mundo del espectáculo no pudo contener el dolor. El actor Pierre Arditi la recordó como *”la mujer más bella del mundo, entonces y ahora, pero sobre todo la más valiente”*. Bardot no solo rompió moldes en la pantalla: en 1963, fue la primera actriz francesa en negarse a rodar escenas con animales si estos sufrían, un gesto que hoy parece obvio pero que entonces fue revolucionario.

Desde la música, Chico Bouchikhi, guitarrista de los Gipsy Kings, reveló un dato conmovedor: *”Cuando éramos unos desconocidos tocando en las calles, ella nos invitó a su casa, nos dio de comer y nos dijo que éramos genios. Sin su apoyo, quizá nunca hubiéramos grabado nuestro primer disco”*. Esa generosidad silenciosa fue una constante: en los 80, Bardot pagó de su bolsillo la liberación de 12 elefantes de un circo en ruinas.

Brigitte Bardot no buscó ser un mito, pero lo fue. Rechazó un Oscar honorífico en 2014 (“Los premios son para los actores, yo ya no lo soy”), vendió sus joyas para financiar campañas animalistas y, en 2019, donó su archivo personal a la Biblioteca Nacional de Francia con una condición: que fuera accesible a todos, no solo a los estudiosos. Hoy, su legado sigue intacto: en las pantallas que repiten sus películas, en las leyes que protegieron a miles de animales y en una pregunta que resuena: ¿habrá otra figura capaz de unir, como ella, el glamour con la rebeldía, el arte con la lucha incansable?

Saint-Tropez antes y después de Bardot: cómo una actriz inventó un mito turístico

Mientras el mundo llora a Brigitte Bardot, Saint-Tropez —ese rincón de 11 km² en la Costa Azul— se prepara para un duelo único. No es exagerado decir que, sin ella, este pueblo pesquero de 4.000 habitantes en los años 50 no sería hoy el epicentro del lujo y el *jet-set* que atrae a 3 millones de turistas anuales. Su llegada en 1956, durante el rodaje de *Y Dios creó a la mujer*, transformó para siempre un lugar que entonces vivía de la pesca y el vino local. Pero hay cifras que revelan el alcance real de su impacto: según el Instituto Nacional de Estadística Francés (INSEE), el PIB per cápita de Saint-Tropez se multiplicó por 12 entre 1960 y 1970, pasando de 2.500 francos a 30.000 (ajustados a inflación, unos €45.000 actuales). Un salto que coincidió exacto con la década en que Bardot lo convirtió en su refugio.

El fenómeno no fue casual. En 1958, un año después del estreno de la película, las reservas hoteleras en el pueblo aumentaron un 400%, según archivos del Sindicato de Hoteleros de Var. Los medios de la época bautizaron el efecto como *«Bardotmania»*: desde EE.UU. hasta Japón, los turistas querían pisar las mismas playas donde ella bailaba descalza. Pero hay un dato menos conocido: en 1962, Bardot compró *La Madrague* —una propiedad de 3 hectáreas— por solo 80.000 francos (unos €120.000 hoy), cuando hoy una villa similar supera los €20 millones. Su presencia atrajo a otros íconos: The Rolling Stones grabaron *Exile on Main St.* en una mansión cercana en 1971, y Picasso pasó temporadas en el pueblo tras conocerla en una fiesta en 1959. Sin embargo, Bardot nunca explotó comercialmente su influencia. En 1992, rechazó una oferta de €50 millones por vender los derechos de su nombre para un complejo hotelero, según reveló su biógrafo Henry-Jean Servat en *B.B. Intime* (2018).

Su relación con Saint-Tropez también tuvo aristas polémicas. En 1973, lideró protestas contra la construcción de un puerto deportivo que amenazaba los fondos marinos, enfrentándose al entonces alcalde Georges Gramont. El proyecto se canceló, pero el conflicto dejó una lección: Bardot no era una figura decorativa. En 2006, su campaña contra la matanza de delfines logró que el gobierno francés prohibiera la pesca con redes de deriva en el Mediterráneo, una práctica que mataba a 30.000 cetáceos anuales, según datos de la UE. Hoy, con su muerte, el pueblo enfrenta un dilema: ¿cómo honrar a quien lo hizo famoso sin caer en el *kitsch* turístico que ella siempre despreció?

El futuro de un mito sin su guardiana

Saint-Tropez ya anunció que renombrará su paseo marítimo como *Promenade Brigitte Bardot* y que creará un fondo para proteger a los animales callejeros, pero el verdadero desafío será preservar el equilibrio que ella impuso: glamour sin masificación, fama sin destrucción. Sin su voz, ¿quién frenará ahora a los inversores que ven en su legado una oportunidad de negocio? La respuesta podría estar en las palabras que Bardot escribió en sus memorias (*Iniciales B.B.*, 1996): *«Saint-Tropez no es un lugar, es un estado del alma. Y las almas no se venden»*.

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